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  •  Atalayas: Nuevos horizontes de autodescubrimiento. Parte I
  •  El cine español que se quiso que olvidáramos. Parte I
  •  El cine español que se quiso que olvidáramos. Parte II
  • El mejor cine de 2013
  • Aguirre, la cólera de Dios
  • Suicidios Ejemplares
  • Vidas Viajeras: Pensando en Dean Moriarty. Primera parte. Por Miguel Cristóbal Olmedo.
  • Notas sobre el nuevo cine americano por Jonas Mekas
  • Caída libre
  • Perfect Sense
  • Los años verdaderos del actor Dustin Hoffman, Parte I por Miguel Cristóbal Olmedo
  • Helter Skelter: La noche de los cuchillos de caza. Por Miguel Cristóbal Olmedo
  • Luis Buñuel o el cine leal en imágenes 1900-1983. Parte I. Por Daniel L.  Serrano (Canichu el espía de bar)
  • Luis Buñuel o el cine leal en imágenes 1900-1983. Parte II. Por Daniel L.  Serrano (Canichu el espía de bar)
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    Blog

    Caída libre

    Caída libre {cortometraje}

    “Caída libre es un vuelo sin motor, un aterrizaje forzoso desde las cumbres del éxtasis hasta las simas del olvido, la costumbre y el desamor. Caída libre es un corto rodado por un grupo de guerrilleros del cine dispuestos a hacerse oir aunque en el camino queden los cadáveres de los sueños, las esperanzas, los triunfos pero se mantengan los de la dignidad, el buen trabajo, la resistencia.”

    —Miguel Ángel Martín Maestro

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    The fall

    The fall (La caza), una de las mejores series estrenadas en 2013. Un thriller psicológico que examina la vida de dos cazadores: un asesino en serie que acecha a sus víctimas en los alrededores de Belfast y la detective encargada de atraparle (Gillian Anderson). Ambos tan diferentes en sus fines como similares en sus medios: metódicos, implacables, ambiciosos, inteligentes, déspotas… 

    El equipo creativo, formado por Allan Cubitt y Jakob Verbruggen, consigue convertir un argumento convencional en un trabajo excepcional. Y es que este thriller profundiza en la perspectiva del asesino: un psicólogo casado y con hijos con una psicopatología aterradora. Una serie británica de atmósfera tan fría como melancólica, con un ritmo tenso y personajes de doble rasero que nos aproximan a un mundo hipócrita y tenebroso. Un trabajo donde todo es preciso y, lo que es de agradecer en una serie, ningún minuto sobra.

    Atalayas: nuevos horizontes de autodescubrimiento. Parte II

    En la lectura grupal del testamento de Suso, éste (desde la distancia), libre de todo prejuicio y con la tranquilidad de aquel que sabe que ya no tiene nada que perder, les invita a luchar contra el inconformismo, a reaccionar con rabia contra el veneno de la resignación; en definitiva, a voltear una vida que claramente no es como la habían soñado todos ellos en su juventud.

    Por Simón Prado

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    La historia no contada de los Estados Unidos

    La historia no contada de los Estados Unidos es una miniserie documental en la que Oliver Stone y su equipo reconstruyen la historia contemporánea norteamericana desde un relato desmitificado y ajeno al triunfalismo imperante del modelo educativo de este país. Co-escrita entre el propio Stone, el historiador Peter Kuznick y el guionista Matt Graham, se aborda la historia de este país desde la Segunda Guerra Mundial –donde se encuentran las claves del comienzo de su supremacía económica– hasta la actualidad –este decisivo periodo de evidente crisis sistémica y posible caída hegemónica–. 

    Un análisis marcado por una terrible realidad repetida en sus procesos históricos: salvo pocas excepciones, los gobernantes son un mero brazo ejecutor de los intereses de las grandes compañías norteamericanas. Un trabajo que esclarece sin tapujos la cínica e hipócrita crónica de un Imperio que no ha dudado en asesinar a millones de personas –e incluso poner en peligro la propia especie humana– con tal de someter al resto del planeta a su modelo de sistema mientras se ondea cínicamente conceptos como “libertad”, “democracia” o “derechos humanos”, pero pervirtiendo su significado hasta límites insospechables.

    Obviamente su postura es parcial, se adentra solo en las cuestiones que le interesa contar, pero, sin duda, es una impresionante concentración de datos contrastables. Imprescindible para comprender el siglo que hemos dejado atrás, nuestro actual sistema y la época que nos toca vivir ahora.

    Atalayas: nuevos horizontes de autodescubrimiento. Parte I

    Los protagonistas de Terrados hablan de su pasado, de los planes frustrados y de la decepción de arrastrar el enorme peso que supone no haber cumplido con lo que esperaban de sí mismos y, lo que es peor, lo que de ellos se esperaba en la sociedad, que no perdona errores cuando se cumplen los treinta y tantos

    Por Simón Prado

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    Seducidos y abandonados

    Seducidos y abandonados es un documental que penetra en el complejo mundo de la búsqueda de financiación para una película; una satírica y provocadora investigación conducida por su director, James Toback, y el actor Alec Baldwin. A través de múltiples entrevistas con actores, directores y productores de Hollywood, durante a 65ª edición del Festival de Cannes (2012), nos desvela las contradicciones de la industria del séptimo arte. 

    Bernardo Bertolucci, Francis Ford Coppola, Roman Polanski, Martin Scorsese, Ryan Gosling, Jessica Chastain, Diane Kruger y James Caan, entre otros, desfilan por la cámara con retratos desmoralizadores sobre el cine como arte o como negocio, el valor del dinero y el glamour, las complicaciones del rodaje, la evolución histórica de las motivaciones de los productores…. 

    «Miro hacia atrás en mi vida y el 95% de ella la he pasado corriendo de un lado para otro tratando de recaudar dinero para hacer películas, y realmente solo el 5% haciéndolas. Esa no es manera de vivir». Orson Welles

    Léolo

    «Lo único que le pido a un libro es que me inspire energía y valor, que me diga que hay más vida de la que puedo abarcar, que me recuerde la urgencia de actuar. (…) Porque sueño, yo no lo estoy. Porque sueño, yo no lo estoy».

    Léolo, 1992, Jean-Claude Lauzon 

    El cine español que se quiso que olvidáramos. Parte II

    por Daniel L. Serrano (Canichu el espía de bar)

    Edición gráfica por Alicia Victoria Palacios Thomas

    Fotografía de Robert Capa, Barcelona, agosto de 1936.

    Mientras esto pasaba en Madrid en julio de 1936, en Cataluña se daba el caso de que la mayor parte de los cineastas estaban sindicados en la CNT. Los estudios más activos en España en esos momentos estaban en Barcelona, por lo que las productoras de cine fueron socializadas, que no colectivizadas. En el mismo sentido, los trabajadores de las salas de cine, de los laboratorios de revelado y de las distribuidoras también eran en su mayoría afiliados de la CNT. De la noche a la mañana toda la industria del cine había pasado a ser socializada. Los sindicatos, en concreto el citado, ponían al cine al servicio de la sociedad. Las entradas a las salas ya no eran de pago, todo el mundo tenía derecho a disfrutar del cine, por lo que simplemente se controlaba que las butacas pudieran ser ocupadas en cada sesión por las personas más variadas posibles. Por supuesto ya no había sitios preferentes ni reservados. Los sueldos de los trabajadores eran equiparados, cobraba lo mismo un director que un tramoyista, un proyeccionista que un taquillero, o un actor que un cámara o un peluquero o un sastre o un decorador. El sueldo además era el adecuado para no crear desigualdades sociales, para permitir que todos pudieran tener el mismo acceso al precio de los alimentos. Las salas de los cines eran administradas por todos los trabajadores organizados entre sí, aunque al ser una socialización y no una colectivización estos organizaban un cierto orden en torno a lo que pudiera aportar cada uno acorde con sus conocimientos, posibilidades y aptitudes. Sin adentrarnos más en este aspecto del cine, los cineastas de la CNT fueron los primeros en aventurarse a rodar reportajes lo más realistas posibles, hasta el punto que en julio de 1936 tenemos imágenes del primer día de guerra en Barcelona.

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    Stockholm

    Stockholm muestra una de esas noches de fiesta en la que todo está por descubrir, todo puede pasar. Más que una historia de chico conoce a chica, la premisa es una historia de chico enamorado agobia a chica escéptica.

    La primera película de Rodrigo Sorogoyen es una aproximación, casi a modo de visceral metáfora, a los ritos y juegos de la seducción, las expectativas ante el descubrimiento del otro y de sus consecuencias. En el juego de la atracción ya no existen normas. A nuestro parecer, una de las mejores películas españolas del año pasado.

    El cine español que se quiso que olvidáramos. Parte I

    por Daniel L. Serrano (Canichu el espía de bar)

    Edición gráfica por Alicia Victoria Palacios Thomas

    Fotografía de Robert Capa, Madrid, noviembre 1936.

    Fellini, Visconti, de Sicca, Rossellini, Antonioni… el neorrealismo, italiano. ¿Italiano? Pudo no serlo, pero su nacimiento acabó siéndolo. El neorrealismo es de origen italiano. Es una verdad aceptada y que probablemente produciría grandes polémicas y enfados en torno a quien quiera decir algo diferente. Surgió en torno a 1943 en Italia, durante la Segunda Guerra Mundial, exactamente en una Italia no sólo convulsionada por la guerra y por la invasión aliada, sino también en una sociedad que se debatía entre la desilusión, la autocrítica y la cruda realidad del fracaso de un proyecto social que se había instalado entre los italianos con el fascismo que llegó al gobierno en 1922 y que ahora perdía una guerra que había arrasado con demasiadas cosas de modo traumático y violento. Muchas de las personas que lo concibieron y lo desarrollaron incluso eran cineastas próximos al comunismo o bien que ahora se acercaban a posturas de izquierdas o por lo menos democráticas. Su película más emblemática para quien escribe quizá sea “Roma, cittá aperta” (1945), de Roberto Rossellini, rodada en una Roma recién liberada y aprovechando la realidad del momento cuando aún se libraban combates. Esta corriente artística se prolongaría entre quince y veinte años, y fue abrazada incluso por algunos autores franceses. No es afán de uno escribir sobre qué era el neorrealismo, ni sobre el cuerpo teórico en sí mismo. Así pues, ¿ya está?, ¿es esto todo? No. No porque desde hace unos veinte años varios estudiosos de la Historia del cine han encontrado en España una serie de películas que preludiaban el neorrealismo italiano, y estos estudiosos no son sólo españoles. Y es de eso de lo que vamos a hablar. De un cine que pudo ser y no fue.

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    Her

    Un futuro muy próximo en el que nuestra forma de vida está monopolizada por la tecnología. Un mundo en el que la alienación y el distanciamiento entre los seres humanos es cada vez mayor. Una sociedad en la que la capacidad sensorial del ser humano se adapta a la evolución de su entorno. Humanos que en ocasiones se comportan como fríos robots, e inteligencias artificiales que parecen humanos. 

    En este contexto, Her relata la historia de amor entre un hombre solitario y una inteligencia artificial, concretamente un sistema operativo capaz de evolucionar y aprender a una velocidad incomprensible para nuestro intelecto. Este argumento, que en su origen parece una broma metafísica (lejos del chiste de Air doll o Lars y una chica de verdad), resulta una historia de amor tan emotiva como convincente. Con una estructura romántica clásica, la nueva película de Spike Jonze explora el amor y la sexualidad como algo que trasciende a la experiencia física, como algo afín a los recuerdos, a las sensaciones y a los sentimientos que produce nuestra mente. Tan dolorosa como lúcida es esta propuesta que aborda con sencillez algunos de los nuevos conflictos metafísicos de la sociedad contemporánea. 

    “A veces pienso que he sentido todo lo que voy a sentir”.